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咏叹调(Aria)是古典歌剧、清唱剧和清唱剧中的主要独唱。男女高、中、低音都可以写咏叹调，通常配以乐队或键盘乐器。咏叹调旋律优美流畅，情感内涵丰富，抒情性极强。但这并不意味着你必须有一个抒情的声音才能唱咏叹调。就女高音而言，花腔女高音、抒情女高音、戏剧女高音都有自己的唱段。深沉稳重的低音也有自己的唱段。美声唱法也被比作“声乐乐器”的表演。它不仅需要演唱者的天赋，更需要长期的培养和训练所创造出来的演唱技巧。咏叹调作为美声唱法的展示和代表，特别注重声乐技巧的表现力，往往被作曲家、歌唱家和歌剧迷视为声乐技巧的最高境界。所以在咏叹调中刻意过度炫耀高难度技巧的情况并不少见，有点类似于器乐协奏曲中的华彩乐章。在现代学术美声教学中，咏叹调仍然是衡量学生艺术和技术水平的主要考试科目。咏叹调也是歌手独唱表演中最重要的曲目。比如9月12日吴碧霞的星海独唱音乐会，最后三首：《美妙的时刻来临》(莫札特)、《亲爱的名字》(威尔第)、《我听到美妙的歌声》(罗西尼)，都是歌剧中著名的咏叹调。咏叹调是一种音乐形式，与歌曲的调性无关。18世纪意大利各派的咏叹调一般都是三段写的，即ABA(从头重复)，第三段是第一段的重复，但比第一段更出彩。后来这种结构被打破，咏叹调不再局限于ABA格式。一个优秀的、受邀请的歌剧独奏者，比一个优秀的器乐演奏家要难得多、珍贵得多。比如这个世界顶级的男高音就数这几个手指头，而顶级的小提琴手更是数不胜数。像帕瓦罗蒂这种不需要太多训练，仅凭天赋就能成名的歌手，可以从不同时期的不同歌剧中取咏叹调。据说全地球每100年才有一次。虽然古典歌剧的欣赏性很强，但是听歌剧就是听歌手的声乐表演，更重要的是听他们的唱段，而演员的视觉形象往往并不重要。粉丝们从演出开始就等了一场又一场，最后盼来了咏叹调，自然是忍不住了。所以，在一部歌剧中，当女(或男)主角唱段唱完时，往往可以加入进来，包括鼓掌，甚至欢呼。这有点类似于芭蕾舞中的独舞和双人舞，但与交响乐的中段完全不同。咏叹调广泛应用于歌剧和清唱剧中。歌剧中的咏叹调通常是主角的独唱。一部歌剧中至少有一个，有时有两个。它的作用就像戏剧中的“独白”，表现人物的特点。同时也往往是最好的唱段，结构完整，需要演员掌握高度的唱功。也可以拿出来作为演唱会的独唱节目来唱。与之对应的是宣叙调，是一种“朗诵”曲，相当于戏剧中的“对话”。必须依附于歌剧情节，不能单独演唱。介于两者之间的是另一种“咏叹调”。与其说是宣叙调，不如说是音乐性的。至于你说的“念经”是什么意思。只是翻译一下。咏叹调本身就是“调”的意思，相当于英式空气。宣叙调宣叙调有背诵和叙述的意思。Arioso的意思是“像咏叹调”。咏叹调咏叹调是一个声音或几个声音的歌曲。现在指的是solo。咏叹调的意思是“调”。它产生于17世纪末，随着歌剧的迅速发展，人们不再满足于朗诵的平淡，希望有更感性的表达。
因此，自诞生之日起，它就与朗诵在各方面形成了鲜明的对比，表现为丰富的唱腔(脱离语言的音调)、表达感情的能力(而不是叙述情节)、精致的伴奏(朗诵有时几乎没有伴奏或只有简单的陪衬和弦)和特定的音乐形式(多为三段；背诵的结构很松散)。此外，咏叹调的长度较大，形式完整，作曲家可以利用他们的英雄，他们经常给演员留下自由空间，以表达他们高难度的演唱技巧。所以几乎所有的歌剧名作，包括主角的咏叹调，都是家喻户晓的佳作。当时厌倦朗诵的观众对咏叹调爱不释手，到了18世纪，咏叹调完全主导了歌剧。到了现代，情况发生了很大的变化。比如瓦格纳后期的歌剧，无论是朗诵还是咏叹调，都不像以前的歌剧那样正式和严格区分。他把两者融合成一个声线，可以根据戏剧情境的需要自由运用。瓦格纳此后的歌剧倾向于大量使用宣叙调，只有非常短的段落句子是咏叹调格式；同时乐队部分起到主题延续和拓展的作用。咏叹调不仅抒情。它是由一个声部或几个声部伴以伴奏，用优美的旋律表达演唱者感情的独唱。它可以是歌剧、轻歌剧、情节剧、激情旋律或清唱剧的一部分，也可以是独立的音乐会咏叹调。咏叹调一般类型很多，都是为了充分发挥演唱者的才华，烘托作品。
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